Jorge Etcheverry
"No está muerto quien pelea”
Me dijo Martín Fierro
Pero así le
fue
Esa frase
ha entrado
Al
patrimonio de la lengua castellana
(perdón,
española)
Entonces
uno es un zombi
Por un lado
uno parece que está vivo
Pero en
cuanto a eso de pelear
Hace ya
décadas
Que nos
arrellanamos
En nuestros sillones de elección
María Rosa Maldonado
Decir sin
decir o decir para negar. O negar para afirmar.
En todo caso,
en estos poemas algo se desliza de su sitio, se disloca. Esa idea, esa que
debería abrirse, sugiere un no-mostrar. Sin cerrarse, tampoco se difunde.
Susurra al oído el secreto desarreglo de los saberes. Disloca lo que siempre ha
estado dislocado. Un mundo creado por el pensamiento. Poco confiable.
Y la
dislocación de la idea se corresponde con la dislocación del lenguaje. Lo que
estaba aquí, ahora está allá. El predicado se hace sujeto. El sueño, lo real.
“No le enseñaron a denominar sueños / a lo
que él tiene”
Los poemas de
Habría de abrir implican una forma de
búsqueda de la verdad, filosofal, mediante la aceptación y el rechazo del mismo
concepto. Cuando lo que muta es el sujeto el mundo muta con él.
No se trata
aquí de una reducción al absurdo. El absurdo, tanto como la nada, también son
in-ciertos. La dialéctica va y viene entre dos opuestos. La realidad excede
toda lógica. El autor no pretende un pensamiento esencialista. No encontraremos
por aquí las ideas platónicas. Lo múltiple no hace referencia a lo uno.
Simplemente lo que es se manifiesta en la mutante fragilidad de los entes.
El ser humano
no está frente a lo pavoroso (ominoso?), pertenece a lo pavoroso. Es su modo de
ser-en-el-mundo.
“Ni me asomé / y mucho menos me caí // Mi
pertenencia a él / y en él mi residencia ininterrumpida”.
Encontramos
en estos poemas de Revagliatti expresiones o frases, como ya indicamos, que
contienen o implican contradicciones. Y la afirmación persuasiva de un
no-saber.
Este no-saber
es un planteamiento de ruptura con respecto al “saber” establecido por el
sistema que se rebela como vacío o preñado de ideología. El autor aconseja:
“Que no lo diga todo / que se cuide // que todo lo
que diga / sea lo no todo / que podría decir // y sea lo no todo / que podría /
diciéndolo / no decir”.
He aquí un
disimulador. Pero qué es lo que disimula? O lo que no disimula al disimular. Lo
que Habría de abrir, abre una
estética original y persuasiva: La ironía, disimulo o ignorancia fingida,
expresa algo muy distinto o incluso lo contrario de lo que se dice o escribe,
oposición entre el mensaje aparente y el que el autor pretende transmitir. Pero
para que se esclarezca el sentido del sinsentido hace falta compartir
implícitamente una serie de valores o conocimientos. Un modo de participar en la
búsqueda.
“Llegaré hasta donde / no hay más // No lo cubriré / sin embargo / todo // No lo sepultaré.”
Queda para el
lector la reconstrucción de lo abierto en lo que aparece como cerrado, leer más
allá de las palabras. Ese es el poema.
Jorge Etcheverry
Fue en esos tiempos de las visitantes, esas mujeres chicas que el mismo Goyo decía habían aparecido de repente y que no se sabía si eran extraterrestres o ya estaban entre nosotros desde tiempos ancestrales, pero que sí tenían un enorme e imprecisable poder del que muy pocos eran conscientes. Eso decía antes de que empezara a tomar la pastilla. En una de esas sesiones y controles médicos a que yo también asistía por una condición temporal fue donde conocí al Goyo, un artista latinoamericano llegado hacía algunos años que se había obsesionado con cierto tipo de arte, el de Ensor, Bresdan, Redon, Bosh, Brueghel, las ciudades perplejas de Piranesi, las tiras cómicas de Druillet (que fue el que hizo el póster de Quest for FIRE, cuyo estreno tuve la suerte de ver en París hace bastantes años), Gigier, que concibió el Alien de la película homónima, pero sobre todo con los sueños de Goya, claro que esta obsesión era parte central de su cuadro clínico (así se dice). A veces tenía pesadillas de las que se despertaba gritando y bañado en sudor. Otra veces no podía dormir nada, y se pasaba la noche haciendo dibujos y pintando, con bastante talento, pinturas inquietantes, una de las cuales me regaló, bastante impresionante, pero que en ese entonces yo ponía dada vuelta contra la pared. Ahora ya no me afecta tanto.
Por supuesto que no tuvo éxito en sus intentos
de conseguir plata con los organismos de financiamiento de las artes que no voy
a nombrar, ya que alguna vez espero que me suelten algunos morlacos por estos
textos que gentilmente me publica en esta página mi amigo Jorge, él mismo un
poco aficionado a la plástica. Pero sus frecuentes solicitudes, así como sus
diligencias para una exposición se topaban con las limitaciones de lo que en
estas latitudes se considera como arte, pocas y claras ideas centrales que no
confundan y que puedan ser agarradas al vuelo por cualquier espectador
ocasional (un poco lo que llaman ‘arte conceptual’), buenos materiales, caros,
una ejecución limpia, con colores si se puede brillantes. El Goyo concedía, eso
sí, que se estaba produciendo una revolución de las artes decorativas en
Canadá. Entonces, ya más tranquilo se instaló un blog donde pone sus cosas, con
bastante éxito en otros países, aunque no le reporte platas. Y así ahora que
puede tomarse una que otra vez su cerveza se viene a veces a este restaurancito
con otros miembros de esa fauna a quienes les digo que siempre pregunten por mí
cuando llegue, aunque ya me hayan visto, para que me sigan aceptando con la
premisa de que les llevo clientes.
Así es el Goyo como llega a veces con la Guagua
que ahora ya no trabaja de estriptisera sino que en un restaurante de Hull
bastante bueno, donde es la única parte de la ciudad donde he podido comer un
filet mignon de cheval y donde ella dice que hace más plata en propinas de lo
que sacaba empelotándose. Y junto con ellos viene también un escritor, poeta,
prosista, crítico, cronista, que ha incursionado en el cine, la traducción, la
enseñanza, la plástica, la edición y la política, multifacético personaje al
que le dicen “el mosca”, por que las moscas tienen ojos multifacetados y que el
otro día nos trataba de explicar la antipoesía, que según él se trataba
básicamente de una cosa de contexto y salió con este ejemplo. El dicho tan
común “ni corto ni perezoso” es bastante universal en la lengua castellana.
Pero si le ponemos un título ‘x’ va a cambiar, se va a “recontextualizar” como
decía él, en otro cosa totalmente diferente, a saber:
El miembro
ideal
Ni corto
Ni perezoso
Y lo pongo a manera de ejemplo, aunque pueda
ofender, aprovechándome quizás de los últimos momentos de libertad de la
internet, que el director de esta página dice que tiene los días contados. Se
dice que este poema ya había sido difundido, y con bastante interés, por los
miembros del taller Filorte, que se autodefine en su mandato como “una
organización cultural de base de afirmación genérica masculina” y que pretende
defender a sus miembros del --para ellos-- opresivo feminismo en Norteamérica.
Bueno. Sin comentarios. Y me olvidaba de decirles que el poema que sirve de
epígrafe a esta nota también es del mosca.
Arturo Méndez Roca
Lo
cierto es que el Necronomicón es un texto científico (de alguna manera) entre
otras cosas, y bastante difícil de leer, al menos en parte, ya que en parte
está cifrado, aunque no se trate de un código tan complejo como el del
manuscrito Voynich, que ha desafiado por más de un siglo los intentos de los
descifradores humanos y computacionales. El Necronomicón es en parte una cosmogonía
(el texto de la izquierda), con las figuras retóricas y apoyaturas rítmico
vocálicas aliterativas y onomatopéyicas típicas de los textos aprendidos de
memoria para ser declamados ante audiencias colectivas, lo que demuestra que
alguna vez esa mitología o cosmogonía fue parte del acerbo cultural de una
colectividad. Después viene el texto del centro, en código, y a la derecha
viene algo que a falta de mejor nombre propondría denominar álgebra del
espíritu, o álgebra cultural, lo que no es de extrañar por el papel de los
árabes en el desarrollo de las matemáticas, el álgebra y la geometría. Para dar
una idea, en el medio de una ecuación que se semeja a un algoritmo, se llega a
una fórmula que sería, en traducción (bastante) libre del inglés (que a su vez
es traducción del árabe moderno que es la versión que manejó el pobre Yusuf
Nehme y que vertió al inglés), sería la ‘Fórmula de Dios’:
D = R = M+M
Es decir Dios igual Religión igual Mediación Moral,
Que más o menos implicaría que la figura de Dios (cualquier dios) vehiculiza
una religión (una religión n) que implica a la vez la existencia de una moral y
la necesidad de una mediación para operatividad de esa moral. Me explico. En
términos cristianos o musulmanes, primero está la acepción de Cristo o Mahoma
por el creyente y luego vienen normas, decálogos, disciplinas y una moral. En
general, esta moral no está inmediata o directamente en el por así decir
‘horizonte de expectativas’ del creyente—como podría estar por ejemplo para un
Sócrates—, sino mediada por la aceptación previa del Dios. Así, el arbusto
incombustible que es Dios le pasa a Moisés un decálogo, pero podría haber sido
otra cosa, con otros principios. Lo que lo valida es no su valor ético de por
sí, sino el hecho que Dios lo origina u ordena. De ahí se desprende el
interesante problema para el filósofo o el estudiante de la Naturaleza Humana
de si es posible que el Ser Humano pueda mayoritariamente adoptar una ética o
moral, cualesquiera, que no esté mediada (prestigiada) por una divinidad o su
versión laica.
Jorge Etcheverry Arcaya
Qué pasó con los pájaros, que ya no volamos sino bajo, bajito, pegados casi a los tejados, ni siquiera de las puntas diamantinas de los rascacielos esos, nuevos, relativamente Sino más bien a la altura de las casas a lo más de dos pisos, o tres, más o menos de nuestro tiempo, de nuestros barrios en los que nacimos O de estos otros barrios que nos hemos encontrado por aquí, por allá, en otras tierras ahora nuestras. Abramos o cerremos las persianas para marcar el inicio, el fin de los días, el mundo se despliega afuera más o menos de la misma manera y es lo más probable que así siga. Lancemos esos otros pájaros más chicos a la vida, nuestras variadas progenies Vedlos ahora volar, es su turno de darse unas vueltas, con más o menos acierto o suerte. Unos como gorriones, pardogrises y apresurados, otros los menos, como águilas y halcones, por allá arriba, ya casi no los vemos.
Jorge Etcheverry Arcaya
Y entonces habló de sus sueños de loco, que le dicen, creía imaginar vastas ciudades casi piranesianas de torres altas y cristalinas, pero que no engañaban a los pájaros que entonces no iban a estrellarse en bandadas contra esos falsos cielos. Puentes techados o no habrían de comunicar entre si las estructuras más altas, que se verían reproducidas en las profundidades subterráneas por miríadas de túneles y bóvedas. Vastas terrazas ondearían árboles ostentarían sembrados praderas de hongos cardúmenes que se extenderían bajo la tierra. Entre los bloques de edificios veríamos parques corrales aviarios terrenos sembrados. La luz del sol se reproduciría mediante espejos, su energía la albergarían y multiplicarían innumerables paneles. Eso me dijo, y pensé que ese tono arcaico y profético colocaba al manifiesto—si alguna vez le daba esa forma a sus ideas—más bien entre esas tantas expresiones religiosas y proféticas manidas, y que quienes diseñan o conciben de hecho las políticas no lo iban a tomar en serio. Pero me dijo también “Mira, te voy a seguir mandando por interno cosas sobre la Ciudad Verde”.
Por Luis Benítez
Imágenes: Cortesía archivo personal del autor y de Pro Latina Press
1. ¿Puede señalarnos las
diferencias temáticas y estilísticas producidas entre uno y otro de sus
poemarios publicados hasta la fecha?
He publicado nueve
libros originales de poesía en 35 años: El Oscuro Semejante (1989), Negro
Eterno (1997), Vicio (1999), Burdel Nirvana (2001), Mosaico
Fluido (2006), Pseudolibro (2008), Un minuto de retraso mental
(2014), Música ósea (Cascahuesos, Perú, 2014) y Poema con fines de
humo (2022, Premio Nacional de Poesía Salomé Ureña de Henríquez 2021), de
los cuales existen varias ediciones, “excrituras” y antologías, que se elevan a
la escandalosa suma de 25 publicaciones.
Mi primer libro trata el
tema de la enajenación y escisión del ser en el destierro, el hecho abrumador
de duplicarse, de convertirse en dos sin dejar de ser uno, por el que pasa un
emigrante. Lo que nunca he podido matizar cuál de los dos en quienes el sujeto
poético se convirtió era el otro, quién era el oscuro semejante de quién.
A este debut impreso
siguió una trilogía erótica, compuesta por Negro Eterno, Vicio y Burdel
Nirvana. Hay un desfiladero temporal entre mi primer libro y el segundo,
pues me mantuve durante 8 largos años tratando de adquirir una voz literaria lo
más auténtica posible, distinta al menos de la estética marcada por mi
generación poética dominicana. Esos 3 libros son los que más marcadamente
sondean el lenguaje (de ahí que algunos críticos me empezaran a asociar al
neobarroco), lo que constituyó una vuelta a mi impulso original de lo complejo,
al instinto cerval con el que empecé a escribir: torciendo el cuello a la
sintaxis. Tal vez por eso escribí toda una trilogía, como poeta niño con
juguete nuevo.
En una etapa siguiente (quién
sabe si no agotada todavía), a causa de haber vuelto a residir un par de años
en mi país, redescubrí el mar Caribe –a cuyas orillas había nacido–: su
movimiento perpetuo, las olas rizando el rizo, el vaivén de las mareas, la
pleamar. Y lo quise replicar en mi poesía. Así, escribí al mismo tiempo un
extenso poema en prosa (Pseudolibro, sobre el tiempo y su imposibilidad
real) y otro en cantos de versos cortos (Mosaico fluido, el mar visto
como un ser viviente, estructura biológica delimitada por la membrana de la
tierra). Y volví a este método con Música ósea (acerca del cuerpo y su
plasticidad) y Un minuto de retraso mental (los procesos mentales del
recuerdo). Quizá ha sido un modo de asumir mi doble, el poema siamés del primer
libro.
Recientemente ando en
busca del silencio con Poema con fines de humo, último libro publicado.
2. ¿Cuáles fueron los
poetas que más influyeron en su obra y de qué modo lo hicieron?
Las influencias de un
poeta son, por lo regular, de difícil precisión, y a veces más visibles para el
lector que para el propio escritor (que las “padece” como angustia, para estar
al tono de Harold Bloom). He leído mucho y de todo, dejándome permear por lo
que leo, sea poesía o no. Puedo, no obstante, aventurar algunos nombres, cazándolos
como libélulas de mi bosque literario. Por ejemplo, hace unos días me di de
golpe con dos poemas que publiqué a los 20 años en una revista del taller
literario de la universidad en que estudiaba. Uno de ellos citaba a Lezama Lima
y el otro a Roberto Juarroz (a quien conocí personalmente a los 18). Uno de los
textos se titulaba “Pastiche de Plotino” y el nombre de aquel taller literario
era “César Vallejo”: he ahí influencias que invocar y estrategias de escritura.
También he estado
traduciendo poesía desde muy joven, por lo que sospecho que deben haberse
inoculado en mi tintero los decires de ciertos poetas norteamericanos, desde la
línea Pound-Eliot-Williams, pasando por los objetivistas y John Ashbery, James Schuyler
y Philip Lamantia, hasta David Antin, Clayton Eshleman y Lyn Hejinian.
Añadiría a Fernando
Pessoa, lo que conduciría a preguntarse cuál de sus personas, además de que no
hablo portugués.
3. ¿Cómo se sitúa usted
dentro del panorama poético latinoamericano actual?
Como un ave rara (con
plumaje mixto de distintas especies). Siempre he sido un outsider de
grupos, tendencias, generaciones, y sé que en literatura a veces se paga caro el
no pertenecer. Pero vale la pena que la pluma vuele de manera libérrima, a
contracorriente o remando por las márgenes. Me fui por el camino de la
comunicabilidad oblicua, y no me quejo por llegar más tarde, rechazando los
atajos. Me he propuesto irritar, remover, incomodar más que agradar con esos textos
que tienen incluso la fortuna de que alguien transija en llamar “poemas”. Esa
es la razón por la que he “sacado la lengua” (literaria) a mis lectores
publicando como poemarios catálogos de moda, diccionarios o playlists.
Dos de mis libros se titulan “Prosa” y otro es un “seudo” libro, un falso libro,
un libro que no es tal, que da igual cómo se lea, pues no conduce a ninguna
parte. El prototipo sería Oliverio Girondo, quien publica un libro complejo
bajo el tramposo nombre de 20 poemas para ser leídos en el tranvía, y lo
comienza señalando la ridiculez supina del “prejuicio de lo Sublime”.
Si la literatura es un
concierto de palabras, a mí me encanta desconcertar. Pero no soy el único en el
panorama poético latinoamericano actual, de modo que, rara avis, vuelo a
solas, pero no solo: varios vamos rompiendo la armonía de la nube de
estorninos, corrompiendo la bandada de las letras.
4. ¿Cómo define las
características temáticas y formales de Seis amnesias, su último título
publicado por el sello Pro Latina Press, de Nueva York?
Mi libro Seis
amnesias es una compilación de partes de 6 libros premiados: Negro
Eterno (accésit Premio Nacional de Poesía Casa de Teatro 1996), Vicio
(accésit Premio Nacional de Poesía Casa de Teatro 1998), Burdel Nirvana
(Premio Nacional de Poesía Casa de Teatro 2000), Mosaico Fluido (Premio
Nacional de Poesía Emilio Prud'Homme 2005), Pseudolibro (Premio Nacional
de Poesía Universidad Central del Este 2006) y Un minuto de retraso mental
(Premio Nacional de Poesía Emilio Prud'Homme 2013). El hilo maestro que los une
son los galardones. Pero también representan mis segunda y tercera fases de
escritura ya descritas en la primera respuesta a esta entrevista, dejando
deliberadamente fuera la primera (el prototipo, el ensayo, la etapa de gateo) y
la más reciente, que está en proceso.
¿Por qué amnesias?, nos
podrían cuestionar. Lo responde mejor el comentario en contratapa: “la manera
más sublime de continuar un hilo de escritura es olvidarla a medida que esta
recibe la luz de la impresión y hasta que vuelva a ser iluminada por el ojo de
un lector. Por eso Seis amnesias renace cada vez que alguien abre este
libro y recobra en muestras de Negro eterno, Vicio, Burdel
Nirvana, Mosaico fluido, Pseudolibro y Un minuto de
retraso mental la trayectoria fulgurante de una poética singular.”
Me emociona que Pro
Latina Press incluyera este libro mío en su ya prestigiosa Colección Gala de
Poesía. Y más por un detalle: aunque parezca increíble, es mi primera
publicación en Nueva York, mi segunda ciudad-país, donde he vivido la mitad de
mi vida.
5. ¿Cuáles son sus
próximos proyectos poéticos?
Tengo por costumbre no
comentar detalladamente sobre proyectos literarios en agraz. Me gusta que
maduren. Uno suele decir “estoy escribiendo un libro” y, sin embargo, un libro
solo es libro una vez escrito, cuando adquiere una forma definida (no
necesariamente impresa). Prefiero hablar de Work in Progress. Pero llevo
varios rumbos de escritura, varios cuadernos que se van borroneando, inéditos –me
parece que siete– que tomo y dejo, abordo y anclo en aguas mansas hasta que
pase la tormenta, y que avanzan a distintas velocidades. De manera general,
puedo adelantar que escribo uno de haikú (450 escritos ya, que pretendo llevar
a mil), un bestiario, uno que imita una novela, otro que es un texto abierto
sobre el misterio de la materia (y que tal vez sea póstumo), uno de aforismos
desaforados y dos más de tema trágico: un siniestro personal y un drama
colectivo.
6. ¿Cuál es su visión de
la poesía latinoamericana contemporánea?
La poesía
latinoamericana del momento ha sabido respirar ante la desaparición de grandes
movimientos y voces por un lado, y ante el empuje de un abrumador proceso de
banalización del hecho poético por otro. Se agotaron las vanguardias, y empezó
la dispersión, pero entonces, todavía, se podían distinguir poéticas
particulares: César Vallejo, Pablo Neruda, Vicente Huidobro, Jorge Luis Borges,
Oliverio Girondo, Lezama Lima, Nicanor Parra, Octavio Paz, en fin, los
“fundadores de la nueva poesía latinoamericana”, como los llamó Yurkievich, y
otros más.
Sumada al caldo cierta
poesía española, en un diálogo cada vez más fértil, estos ingredientes han
condensado en el caldo poético de hoy, en el que priman las fusiones, la
intertextualidad, lo anticonvencional, las apuestas arriesgadas. No podemos
decir que la poesía latinoamericana contemporánea se caracterice por la
indefinición, acaso sí por elusiva y por la práctica del desplazamiento.
El canon estalló como
granada de mano, y luego vino la internet, los followers, los likes,
el cocimiento del texto aprisa y su comercialización antes de que se convierta
en fiambre indigestible. El signo de
estos tiempos es que el centro se encuentra en todas partes, y la poesía nos
embosca desde un no-lugar con nombres, arrojando sus palabras expansivas.
7. Respecto de su labor
como gestor cultural, ¿en qué consiste y bajo qué principios la
desarrolla?
Soy gestor cultural por vocación,
profesión y oficio, es decir, por ímpetu natural, académicamente y en la
práctica. Realicé una maestría en la gestión de proyectos culturales y
creativos y diplomados en edición y gestión cultural, pero, mientras iba
acumulando certificaciones oficiales y académicas, llevaba añales como editor
de libros y revistas, armador de diccionarios culturales y directorios de
escritores, organizador de festivales de poesía, congresos de teoría,
conferencias magistrales, etc. Los diplomas, como un certificado de nacimiento,
solo vinieron a enunciar una realidad de hecho.
El germen de todo estuvo
en mi prehistoria literaria, pues en la adolescencia participé en la fundación –y
fui directivo de– círculos y talleres literarios, así como en proyectos de
distintas revistas, en su mayoría efímeras. Una vez en el exilio en Nueva York,
creé en los 90 la editorial Cantus Firmus, que alcanzó a publicar a 3 autores
medulares: José Kozer, Eduardo Espina y Silvia Guerra. Después acudí al llamado
de la patria para dar forma a la Editora Nacional, frente a la cual estuve por
12 años (2004-2016) y edité cerca de 800 libros. Al mismo tiempo, fundé otra
editorial (Libros de Viento y Borra) y formé parte del comité organizador del
Festival Internacional de Poesía de Santo Domingo, de cuya última etapa fui
director, hasta su desaparición en 2020. Actualmente continúo como editor de
contenido de una revista, corrector de estilo y editor freelance.
NOTAS
(1)León Félix Batista
nació en Santo Domingo, República Dominicana, en 1964. Algunas de sus obras
publicadas en América y Europa son: El Oscuro Semejante (1989), Negro
Eterno (1996), Delirium semen (2010), Caducidad (2011), Sin
textos no hay paradiso (2012), Joda poética completa (2013), Mosaico
Fluido (2014), Música ósea (2014), Un minuto de retraso mental
(2014, 2013), El hedor de lo real en la nariz imaginaria (2014), Duro
de leer (2015), Próximo pasado (2018), Prosa de fabricación
casera (2018), Delirium (2020), Globos de ensayo y error (2020)
y Poemas con fines de humo (2023). Entre otros reconocimientos, ha
recibido el Premio Nacional de Poesía Salomé Ureña de Henríquez de los Premios
Anuales de Literatura del Ministerio de Cultura de la República Dominicana, el
Premio Nacional de Poesía Emilio Prud'Homme y el Premio Nacional de Poesía
Universidad Central del Este. Piezas de su autoría fueron incluidas en una
veintena de antologías poéticas, entre ellas Zur Dos (última poesía
latinoamericana, Bartleby, Madrid, 2005), Jardín de Camaleones (la
poesía neobarroca en América Latina, Iluminuras, Brasil, 2005), Cuerpo
Plural (antología de la poesía hispanoamericana contemporánea, Pretextos,
Valencia, 2010), Poesía esencial dominicana (Visor, Madrid, 2011), y País
imaginario (Ruido Blanco, Ecuador, 2011; Amargord, Madrid, 2014). Ha sido
parcialmente traducido al inglés, sueco, alemán, italiano e hindi.
(1)Batista, León
Félix. Seis Amnesias, Pro Latina Press, Colección Gala de Poesía, ISBN 979
8 218 32156-7, 148 pp., Nueva York, EE.UU., 2023.
Jorge Etcheverry
La poesía
Esa chiquilla de Ñuñoa
Llega a almorzar al boliche
Pide una ensalada de tomate con cebolla
anticuchos de corazón
como plato de fondo
Y para
terminar
sopaipillas pasadas con almíbar extra
No toma nada
“gracias, mira
tengo que volver lueguito a la pega”
Pero me acepta un
café
Jorge Etcheverry
This is a rather abrupt beginning,
but it is interesting to note that this famous author’s lack of experience is
becoming more and more evident to the student or amateur of literature. One of
the mistakes he made in his life, like so many young geniuses of the past, was
to keep up a prolific and detailed private correspondence.
For a writer in contemporary times this need for communication seems awkward. In modern cities, families break up sooner and more often than in previous generations, and children leave home at an earlier age to become independent. Without parental shelter and support, they are forced to enter the labour market. Telephone communication is not suitable for detailed, lengthy conversations if you don’t have the means to pay for a conference call. Writers resort to letters or e-mail, but for professional reasons. At first, they send their work to magazines and publishers despite having only abstract, general information at hand. If they’re market oriented, they go through agents. But it’s quite another matter to keep private correspondence, private. All the writer’s human weakness, disillusionment and frailness can be made public one day if the writer becomes famous or even just well known. The generations to come will know those aspects of the human psyche that all of us try to hide and which we only talk about with close friends and family.
The obvious lack of experience makes The Process seem naïve to the modern writer who’s accustomed to the role of the police in society and to a legal process in which accused and defendants receive written notices of trial dates, arrive at courthouses and wait in reception areas to be called before judges in typically public proceedings where they’re given an opportunity to be heard and unmask the essentially repressive nature of social institutions. We know that somewhere decisions concerning us are being taken. We also know those decisions will never have the effect of final decisions or verdicts and are but a matter of chance or fate, plotted behind doors we’ll never enter and taken by individuals or associations we’ll never come face-to-face with and can only try, with difficulty, to imagine. But never will the modern man or woman have to stand in front of a Door of Law and negotiate with a doorkeeper to gain entry. Those are vestiges of bygone days. Kafka has left us his legacy of innocence and candour, his pure ingenuity. That justifies fully the place he holds in literary history.
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Santidad
Jorge Etcheverry
Me dijo
que ahora
Se consagraban
santos a granel
Desde el
Vaticano
con esta
nueva administración
más popular,
más abierta,
que así
democratizaba al cielo y al culto
abría un
poco más las puertas del Paraíso
A lo
mejor, reflexionaba
si el
santo o santa todavía estaban vivos
Hasta les podrían dar un pequeño estipendio
mensual
Para ir
pasando
Ya que
no solo de pan vive el hombre
O la
mujer,
o las
combinaciones de ambos
O las
posibilidades nuevas
“Jorge”,
me preguntó
Con unos
tragos de más
“Tú que
has leído tanto
¿Dónde
se postula?”,
¿Qué
institución te tiene que respaldar?”
“Porque
el Papa debe estar muy ocupado
y los designios de Dios
son inescrutables,
Hace
tiempo que no se me aparece
No me
habla
en sueños”
Pero yo
Aunque
de formación católica
Dejé de
serlo como a los dieciséis años
Me
sentía raro confesándome
Con
alguno de esos curas
Que se
mostraban sumamente interesados
En los
detalles de mis primeras masturbaciones
Mis aventurillas
eróticas
en los
cines
en los
medios de transporte público
Las
vacaciones con las primas
En fin
Y te
sonsacaban más y más
Pero volvamos
al tema
Después
en los sesenta estudié filosofía
Me metí
a bombero loco, o mayoneso
Alguna vez
tuve el alias de El Santo
Andaba
de barba y melena
Vestido
de blanco
Una
vez alguien
De un
grupito medio clandesta
Dijo respecto
a mi persona
“Qué quemante este huevón”
Otra vez
me
describieron
Como pije
de ultraizquierda
Entonces
le llené el vaso, le dije
“Mira, cabro, sé que eres sumamente bueno
No matas una mosca
No quiebras un huevo
Nunca te
he negado tus méritos
Pero yo lo
que es ahora
ni a la misa
voy Con Dios
En mis
tiempos estudié
La
patrística
La
escolástica
A san
Agustín
A Santo
Tomás
Donde
dicen que está todo
Y de la
mejor manera
Pero nunca
me topé
Con
instrucciones para postular a santo
Perdona
Que no
te pueda ayudar,
Pero por
lo menos
te pago la cerveza”
Jorge Etcheverry
La razón que sueña monstruos me dijo la otra vez que ya no tiene mucho dónde elegir, que ya todo o casi todo ha sido inventado, imaginado y representado. Sentada de medio lado comentó que la silla era un gran invento “¿cómo imaginarse un conciliábulo por ejemplo de los griegos que hablaban echados?—todo el espacio que ocuparían, los de más lejos no entenderían nada. Entonces fue que decidieron hablar mientras caminaban, peripatéticos. Pero una se cansa, sobre todo en estos tiempos de tantas comodidades, de comida chatarra. Hasta a mí, que me gusta tanto hacer ejercicio, me están saliendo rollos. No se me nota, pero yo me doy cuenta. Mira, creo que los Starbucks, los Bridgeheads van a crear a la postre una revolución intelectual, que creo que nos está haciendo falta, aunque los iPod están un poco en el camino, porque con ellos la gente ni piensa ni conversa”. Sus ademanes de niña expresiva hacían brotar del aire formas inconclusas que no me atrevía a tratar de percibir con claridad. Entonces me desperté. Eso me dijo ese joven aún que se junta conmigo a veces en este mismo café para contarme sus sueños. Me pasó su cuaderno lleno de dibujos. Se veía que no manejaba bien la técnica aunque mostraba bastante talento. Lo tengo ahora en la mesa del comedor, cerrado. A veces me fumo un cigarrillo, pese a mi edad, o me tomo una copa de vino o un café cargado y me atrevo a ojear una que otra página al azar. Después me cuesta conciliar el sueño en la noche. Lo voy a botar para la próxima recogida de basura.
Luis Benítez
El sello ecuatoriano El Ángel Editor publicó el cuarto
poemario de la autora argentina Marinés Scelta, título que recibió la mención
honorífica del Primer Premio Internacional “Ana María Iza”.
Definido como un poemario de gran intensidad que “logra,
por medio de un lenguaje íntimo, a la vez que directo, convertir la ausencia
devenida de un duelo en bellas imágenes que dialogan con los elementos de la
naturaleza, la memoria familiar y la muerte”, por el jurado que le otorgó
el referido reconocimiento, Así ha de ser la ausencia (1) se divide en
dos secciones: Parte del fuego y Parte de la sangre. Treinta y
una piezas conforman el volumen, caracterizado por un discurso luminoso y que
no necesita de fulgores artificiales para llegar con suma intensidad a la
sensibilidad y el intelecto del lector.
Una feliz amalgama conceptual y emocional se conjuga en
sus páginas para lograr transmitir el universo propio de la autora mendocina,
sacudido por la desaparición física de lo querido, pero capaz de emprender la
búsqueda empeñosa del esplendor de lo viviente a fin de restañar ese vacío
interior y contrarrestar la ausencia.
Desde el punto de vista exclusivamente estético, lo que le
sucede en la realidad al creador carece de importancia -por cruel que suene
esto para muchos- si no genera la obra de arte escrito que se espera encontrar
en un poemario. Más allá de la identificación que pueda el texto producir en
aquellos que atraviesan por similares circunstancias, sobran los ejemplos de
intentos fallidos de crear poesía a partir de vivencias, por más penosas y
extremas que estas sean.
No es el caso de Así ha de ser la ausencia, de
Marinés Scelta, donde objetivamente se aprecia un trabajo con el lenguaje y la
presencia de una potente inteligencia poética detrás del empleo de los recursos
estilísticos. Esta resulta muy capaz de partir de lo luctuoso hacia la belleza
y, en un audaz viaje de ida y vuelta entre ambos campos, situarnos en el medio
de asociaciones de ideas y sensaciones táctiles, auditivas y visuales que
muestran y demuestran que lo Real inapresable se trata de un todo donde la
muerte -a pesar de su tremendo peso específico- es un elemento más, sino
neutralizado, sí compensado por aquellos que componen su Otredad.
Poesía no urbana, donde la naturaleza evocada y convocada
por la autora sutura los bordes de la herida, sin dejar de advertir
constantemente qué honda es su profundidad, pero también su condición de brecha
que conduce hacia lo medular, lo intrínseco y esencial, aunque ello sea por la
“vía dolorosa” reservada a lo particular.
La autora
Marinés Scelta nació en Mendoza, Argentina, en 1984. Es
profesora de Lengua y Literatura y tallerista en “La raíz en la roca” y “Caja
de herramientas”, este, junto a Victoria Urquiza. Forma parte del colectivo
literario y feminista Write like a girl, cuyo objetivo es investigar y
difundir la literatura, hecha por mujeres y disidencias, y la creación
colectiva. Participa, además, en el programa radial Restos Diurnos (UTN
Córdoba), con la columna Los ritos, sobre poesía contemporánea. Recibió en 2022
la Mención de Honor del Premio “Ana María Iza” (Encuentro Paralelo Cero,
Ecuador). Ha publicado con anterioridad: Saber lo que se pierde (2016); Y
yo que me creía tan libre (2020) y Otros territorios posibles (2021).
NOTAS
(1)El Ángel Editor, ISBN 978-9942-633-19-4, 76 pp., Quito, Ecuador, 2023.
Jorge Etcheverry "No está muerto quien pelea” Me dijo Martín Fierro Pero así le fue Esa frase ha entrado Al patrimonio de la le...
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